jueves, 21 de febrero de 2013
miércoles, 20 de febrero de 2013
La Presencia Objetiva
Como
se decía en el capitulo anterior, el capítulo cuarto de Edgar Morín, las abstracciones de la imagen dadas por
medio de luces y sombras, llegas a crear en el espectador impresiones de
realidad; esta objetividad, logra producir en el espectador una mirada
subjetiva (paradójicamente, puesto que las formas las deduce la mente para
todos, pero las sensaciones son
diferentes en cada espectador,
esta es la subjetividad que logra crear a partir de la
proyección-identificación). A diferencia
de la fotografía fija, la fotografía en el cine da la impresión de movimiento,
este movimiento que es una ilusión, pero que sustituye al movimiento real,
corporal, biológico, a la par que da la ilusión de temporalidad.
A
pesar de las dimensiones en la imagen dentro del cine ha sabido engañar al
espectador haciéndolo creer que hay una constante en la escala del tamaño;
existe una composición en la fotografía del cine.
Teniendo
en cuenta que el cine sabe que habiendo una constante en las imágenes se puede
engañar al espectador en su objetividad, los creadores del cine empiezan a jugar con las imágenes y
estructuras por medio de maquetas y objetos, tomando la dimensión a partir del
cinematógrafo. A diferencia del
cinematógrafo, el cine tiene la capacidad de entrar a tomas y ángulos inauditos
a partir de la composición de la fotografía. Lugares donde el cinematógrafo no
llega.
La
construcción de movimiento incluye la sucesión de planos, esto implica en el
espectador un proceso de construcción de la escena, la construcción de una
unidad. Esta construcción de muchos
planos a un solo objeto logra dar la objetividad, puesto que se complementan
la una a la otra. “Un documento objetivo,
puede llamársele así en el cine cuando es mirado por varios ángulos.” La construcción
de objetos da pie a una mirada subjetiva, por la emotividad.
La
complejidad del cine, es tanta que por medio de la fotografía logra animar
objetos que normalmente no están animados, no por medio de diálogos, sino por
medio del movimiento, no aspectos como el caminar, sino por medio de travelling
y rotaciones. Todo en el entorno del actor también se encuentra animado, es por
ello que no es tan necesario el audio en primera estancia en el cine, ni el
color, puesto que la sola fuerza de la imagen daba por sí sola el efecto de realidad,
deduciendo colores y sonidos.
viernes, 15 de febrero de 2013
miércoles, 13 de febrero de 2013
El Alma del Cine.
El humano en su
naturaleza mantiene un lazo con su alrededor, un lazo afectivo que lo acerca
por medio de la identificación; Morín habla de una etapa llamada antropomorfismo,
esta etapa es en la que asignamos a las cosas materiales y a los seres vivos caracteres
propiamente humanos. El cine más tarde jugaría con esta cuestión en la llamada Proyección-identificación,
en donde el humano empieza a identificarse primariamente con luces y sombras
propiamente del cinematógrafo; una subjetividad que el espectador objetiva según
Morín, de forma más compleja, el espectador después de a ver identificado
formas en las luces del cinematógrafo, se vuelve a identificar pero ahora de
manera más emocional, puesto que el cine aborda situaciones que absorbe de la
vida cotidiana, cuestiones como la tristeza y el amor. Morín, mantiene que el cinematógrafo
es el espectáculo por excelencia, no hay interrupciones, ni modificaciones en
su trayectoria, por lo cual suscita a cierta inquietud al espectador por no
poder tener el control por sobre lo que está aconteciendo frente sus ojos, las
emociones se potencializan. Otra manera que Morían expone sobre la manera de proyección
para el espectador con el cinematógrafo, es la necesidad de reconocerse en una
imagen, esta es la forma en que Lumiere atrae a su público, filmándolas para
que ellas mismas opten por ir a verse. En la actualidad el cine sigue
funcionando con estas tendencias por la proyección-identificación, así mismo
cuestiones abusan de esta debilidad del humano así como la publicidad y la
mercadotecnia, involucran al espectador, por medio de la identificación de
forma que resulte atractiva.
miércoles, 6 de febrero de 2013
Metamorfosis del cinematógrafo en Cine
Méliès, a través de accidentes
del cinematógrafo tiende a descubrir al cine, la historia le adjudicaría a este hombre la magia en el
cine. Este sería el principio del lenguaje cinematográfico. Como por la manipulación
de las películas se podrían lograr efectos que llegaran confundir al
espectador; el asombro de la realidad,
el inicio de la ficción…
“Lo fantástico surge
inmediatamente de la más realista de las maquinas”
Lo más increíble del caso, es la paradoja,
de como por medio de una maquina que captura la realidad tal cual es, puede
mostrar el mejor engaño al ojo. Así funcionaria el cine, de tal forma que se
crea la llamada fotografía cinematográfica, que surge cuando se utilizan una
serie de trucos de sombras, luces, la magia latente del doble, y con ello se
genera el lenguaje del cine.
A diferencia de Lumiere, Méliès maneja
efectos que engañan al espectador, con los cuales puede igualar la popularidad
en el cinematógrafo de Lumiere…
“Realismo absoluto (Lumiere), irrealismo
absoluto (Méliès) “
Dentro de los trucos del manejo de
la realidad para el cine de Méliès se encuentra la de la metamorfosis, consiste
en transformar un objeto en otro, jugando con la magia y la credibilidad del
espectador.
Gracias también a la fotografía,
se logra por medio del montaje y el manejo de planos, un efecto de temporalidad,
esto revolucionaria la forma de ver el cine y la implicación que esto tendría posteriormente…
“ Las técnicas del cine, diferenciación de
planos según la distancia de la cámara respecto al objeto, movimientos de cámara,
utilización de decorados, efectos especiales de iluminación, fundidos,
encadenados, sobreimpresiones, etc., se reúne o más bien se conjuga y adquieren
su sentido en la técnica suprema: el montaje.”
Por medio del montaje en el cine,
se puede crear una alteración del tiempo, un tiempo más fluido. En un principio
los hermanos Lumiere mantienen un estado de temporalidad real, mas tarde se alteraría
el tiempo por medio de acelerar la cinta, o por medio del montaje, la posiciones
de la cámara. Ahora era posible en cuestión de minutos manipular el día y la
noche, jugando con los tiempos pasado y presente. La narrativa en la estructura
se ve modificada…
“Hemos visto que la idea de que
el pasado no desaparece, sino que se refugia en alguna parte, está como germen
en todo recuerdo. La magia le da cuerpo, este pasado que huye y permanece es el
mundo de los dobles, de los muertos.”
Gracias a la manipulación de
planos el espectador desde su lugar, es capaz de movilizarse a cualquier tiempo y espacio. A partir de estas
modificaciones en el cine, el manejo de la temporalidad y espacialidad en el
cine sería muy recurrente. Lo que me remite a Andy Warhol, que cuestionaría la temporalidad en los films, como en "Empire", una película de ocho horas de duración, la cámara muestra una vista del Empire State Building al amanecer. Lo que sería un acercamiento de
cómo se percibía el cine antiguamente, solo que antes no se tenía la capacidad
de filmar tantas horas. Pero lo que pretende Warhol es mantener una idea de la
realidad sin alteraciones.
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